En 2021, One Shot estalló en los corazones de los fanáticos de la acción, aprovechando al máximo De Scott Adkins’ conjunto variado de habilidades. Es una película de acción táctica de alto octanaje con un truco divertido: toda la película está diseñada para que parezca una toma continua.

La secuela recién lanzada, Un tiro más, ahora disponible en todos los lugares donde alquiles o compres películas digitalmente, es un esfuerzo más seguro y pulido que el original, que agrega un entorno de película de acción familiar y convincente (un aeropuerto), más leyendas de la acción (Tom Berenger y Michael Jai White) y una serie de emocionantes secuencias de lucha que aprovechan al máximo la trama. ubicación, la vanidad y el talento.

Un tiro más también reúne al director James Nunn con Adkins y al coreógrafo de lucha Tim Man, quienes han trabajado con Nunn cuatro veces cada uno. Pero esta película es la colaboración más exitosa de Nunn y Adkins hasta el momento. Polygon habló con Nunn sobre las dificultades de filmar una película de acción en una sola toma, siguiendo la estela de Ganador del Oscar de Sam Mendes 1917, ocultando los cortes, lo que aprendió de la primera película y sus esperanzas para el futuro de la serie.

Esta entrevista ha sido ligeramente editada por su extensión y claridad.

Polygon: Como alguien que ha filmado películas de acción más convencionales, como Eliminadores¿Qué crees que es diferente para el público cuando una película se presenta como una toma continua?

James Nun: Bueno, es curioso, porque empezó como un ejercicio de ¿Cómo puedo empujar algo? ¿Cómo puedo ser diferente? ¿Cómo puedo ser único? ¿Cómo puedo utilizar la increíble y cruda habilidad de Scott de la mejor manera? ¿Y cómo puedo utilizar mis conocimientos técnicos? Entonces, en realidad comenzó más bien como un experimento para demostrarle a la gente, Soy muy bueno técnicamente, él es muy bueno físicamente y ante la cámara: fusiona sus habilidades y haz una película.. De ahí surgió el discurso inicial. Pero a medida que pasó el tiempo y comenzamos a filmarlo, honestamente, me enamoré de hacerlo de esta manera. Te das cuenta de que estás impulsando esta inmersión en tu audiencia.

Todas las películas tienen un reloj en marcha. Esa es la premisa de muchas historias: vas de A a B, o de A a Z, pero no se trata de las letras, sino del viaje entre ellas. Siempre hay una narrativa que avanza, especialmente en las películas de acción. Ya sea que explote una bomba o salvar a tu ser querido porque está a punto de caer en ácido, siempre hay un cronómetro. Y creo que lo que sucede cuando no manipulas el tiempo con cortes es que en realidad estás obligando a las personas a, casi en un nivel subconsciente, sentir un poco más el cronómetro, sentir la urgencia y estar un poco más presentes en él. .

Ahora mira, muchos problemas vienen con el estilo, porque no puedes filmar a Scott como el mejor artista marcial del mundo, necesariamente, porque no puedes hacer los ángulos que realmente muestran lo que él puede hacer. Del mismo modo, no puede estar dando vueltas haciendo increíbles piruetas de mariposa, porque sería de un mundo diferente. Entonces el formato viene con restricciones. Y sabemos lo que estamos haciendo. Tratamos de contener lo llamativo y optar por esta vibra militar CQC [combate cuerpo a cuerpo] fundamentada, que encaja muy bien. Creo que la versión alargada, te guste o no, simplemente te está absorbiendo.

Ciertos actores realmente estarán a la altura de las circunstancias y serán los mejores que jamás hayas visto, porque dicen: No quiero ser yo quien en esta toma de 10 minutos lo arruine. Entonces pasan a este nivel de autenticidad y concentración, y tú también puedes sentir eso. Pero igualmente, si tienes un desempeño ligeramente más débil, es más difícil esconderte de eso.

Me he enamorado de él. No lo haré para siempre. Estoy seguro de que pronto volveré a hacer películas normales y convencionales. Pero me estoy divirtiendo mucho. Y estoy muy satisfecho con la recepción que hemos tenido.

Que aprendiste de One Shot al que aplicaste Un tiro más? La película se siente más segura. ¿Te sentiste así durante el rodaje?

Seguro que lo hicimos. Y digo "nosotros" porque tengo un equipo central muy sólido con el que me encanta trabajar, y todos están en el mismo tren conmigo. Creo que la primera película, aunque tenía confianza... Mira, traté de mantenerlo un poco en secreto en la primera, pero todos sabemos que hay cortes ocultos en la película. No me malinterpretes, haré una toma todo el tiempo que pueda. Hay tres razones para romper: seguridad, geografía o disponibilidad de actores, si tienes que filmar fuera de secuencia. Esas son realmente las razones por las que corté. Si no, continuaré tanto como pueda dentro de ese plazo. Entonces, realmente estás viendo tomas de ocho a 10 minutos.

En la primera película, sabía que podíamos hacerlo, pero no lo habíamos hecho, ya que en realidad no habíamos ocultado cortes antes. Así que en la primera película me concentré mucho en asegurarme de que pudiéramos ocultar los cortes. La diferencia con la segunda película era que se había quitado peso. Lo habíamos hecho. Sabía que podíamos hacerlo. Sabía cómo hacerlo. Sabía cómo salir de un aprieto, incluso si algo no estaba funcionando ese día y necesitaba salir de ello. Porque lo habíamos probado y probado antes.

Entonces ese peso se me había quitado de encima. Entonces es como, Bueno, ahora tengo tiempo para pensar un poco más en ser más elaborado con la cámara.. Y además, teníamos un poquito más de dinero en este. Así que podríamos hacer cosas como sacar la cámara del auto y tirarla por una escalera en una plataforma y saber que todo estaría bien. Pudimos ser un poco más complicados.

¿Cómo llevaste el rodaje en el aeropuerto Stansted de Londres?

Esa fue la parte más difícil de todo este proceso, filmar en el ambiente de trabajo de un aeropuerto internacional. Sabíamos que queríamos ir más allá. La respuesta de los fans al primero fue abrumadoramente positiva y mucho más de lo que esperábamos. Obviamente, cuando emprendes estas empresas crees en la película; tienes que hacerlo, de lo contrario no lo harías. Pero realmente quería que aterrizara. Y no necesariamente obtuvo el gran impulso que esperaba debido al COVID en ese momento, pero hizo lo suficiente para realmente encontrar una audiencia.

Escuchamos los comentarios de los fans. No necesariamente las grandes reseñas del periódico, sino los fanáticos. Y tratamos de responder a eso en esta película y darles más peleas, darles más cuerpo a cuerpo, darles más trama, pero también hacer que no pareciera una ubicación de bajo presupuesto, que fue algo con lo que nos topamos. mucho en los comentarios.

Entonces, una vez que descubrimos que teníamos la afortunada oportunidad de seguir el camino número dos, nos embarcamos en lo que íbamos a hacer y pensamos: Nunca tendremos un aeropuerto.. Simplemente estamos imaginando que vamos a tener una pequeña pista privada. Será de goma, de todos modos se sentirá de bajo presupuesto. Así que al productor Ben Jacques se le encargó ¿Puedes conseguir un aeropuerto? Y como por milagro, el cuarto aeropuerto más grande de Inglaterra, el aeropuerto de Stansted, mostró interés. Eran como, Oh, nos encanta el sonido de esto. Sí, baja. Y así lo hicimos.

Así que bajamos, miramos y pensamos que sería perfecto. Y luego escribimos el guión en torno a eso. Pero aquí es donde se volvió complicado. En la primera película, teníamos una ubicación abandonada, que podíamos filmar durante 11 horas al día, sin hacer preguntas, muy fácil. Pero ir a Stansted conllevaba una gran cantidad de restricciones, las mismas restricciones a las que se enfrenta un viajero que vuela internacionalmente. Estás pasando por el detector de metales, estás pasando por el control. Conseguir que cien tripulantes entren con pistolas, cuchillos y explosivos falsos te quitará fácilmente una hora del día.

Del mismo modo, tienes turistas corriendo esperando tomar sus vuelos y esas cosas. En el Reino Unido no se puede volar entre la medianoche y las 4 a. m. Básicamente, lo cierran para que la gente pueda dormir. Y fue entonces cuando rodamos la película. Así que llegábamos al aeropuerto como a las 7 u 8 de la noche, hacíamos algunos ensayos y comíamos un poco. Y luego realmente comenzamos a arrancar entre la medianoche y las 4. Fue una parada difícil a las 4, porque los aviones estaban llegando o la gente subía a los aviones.

Una noche en particular, estábamos en el área de reclamo de equipaje y teníamos un largo recorrido y una hora para llegar. Y hemos tenido meses y meses de reuniones sobre esto. Pero ya sabes, siempre hay un tipo que nunca está en las reuniones que aparece y dice: Oh, tienes que terminar en 20 minutos.. Logramos hacer dos tomas de nueve minutos cada una. El segundo está en la película.

Todo el mundo conoce el diseño de un aeropuerto, por lo que resulta mucho más fácil para el público determinar dónde están las cosas, cómo son los lugares de acceso restringido y ese tipo de cosas. Pero te permite interactuar más con el entorno en términos de acción. ¿Qué más añadió la ubicación del aeropuerto a la película?

Es algo así como lo que siento por 1917. Una cosa que enfrentamos al salir después 1917, a pesar de [One Shot] había sido escrito originalmente antes 1917, fue que la gente luchó un poco con la historia de fondo. No se contó una gran cantidad de historia de fondo. Y el problema de hacer las cosas en tiempo real como algo único es que no puedes parar en medio de una pelea y empezar a llamar a tu madre o a tu esposa, porque el público sabe lo que estás haciendo. Estás rebuscando en una historia de fondo, pero empieza a parecer tonta y no real.

Y la ventaja que 1917 Lo que tenemos sobre nosotros es que la comprensión colectiva de la nación y el mundo sobre un soldado en la Primera Guerra Mundial: todo el mundo lo ha estudiado en la escuela. Inmediatamente tienes alguna idea o conocimiento de la historia de ese soldado. Entonces no es necesariamente eso 1917 Incluso tiene más historia de fondo que nosotros. Pero lo que marca la diferencia es que existe una comprensión no escrita de la Primera Guerra Mundial que simplemente entiendes. Está en su subconsciente, en términos generales, como audiencia occidental.

Y lo mismo, probablemente, ocurre con el aeropuerto. No todo el mundo ha visto una base al estilo de Guantánamo [el escenario de One Shot] fuera de una película. Mientras que todo el mundo conoce un aeropuerto. Y creo que ahí es donde [Un tiro más] también se intensifica, es que hemos ido a un lugar que todos ustedes entienden: Oh, habrá una escalera mecánica, habrá esto, habrá aquello. Así que creo que, para insistir en tu punto, estoy totalmente de acuerdo contigo. Y luego empiezas a disfrutar los frutos de lo que puedes encontrar, caminas y diseñas la [caída] saltando sobre los rieles o peleando en el metro.

Por cierto, esa es mi pelea favorita de la película.

Yo también. No cortamos durante las peleas. Esa es parte de la razón por la que a Scott también le encanta hacerlo, es que realmente lo obligamos a hacerlo durante dos o tres minutos. Y lo que me encanta de la pelea del metro es que debido a todo el primer plano, los postes, las vigas y el vidrio, en realidad es imposible siquiera haber hecho un corte allí. Así que estos son sólo dos luchadores en pantalla físicamente increíbles [Adkins y Aaron Toney] que realmente lo intentan. Y tengo el privilegio de que hayan hecho eso por nosotros en un tren en movimiento a aproximadamente 30 millas por hora.

Lo que me parece uno de los desafíos narrativos más difíciles del formato son las secuencias de transición. ¿Cómo abordaste el paso de una escena a otra dentro de esta estructura?

[Ahí es donde] [entró] la ventaja de ir al lugar. Tener un esquema de 10 páginas, encontrar la ubicación, luego escribir el guión alrededor de la ubicación y luego realizar visitas programadas hacia adelante y hacia atrás. Y además era una ubicación [real], no algo que estábamos construyendo y que la gente tenía que intentar entender.

porque hay mucha One Shot eso es en realidad un conjunto. Usamos el terreno exterior, pero en realidad todos los interiores generalmente están ensamblados en un gimnasio en el lugar. Y fue mucho más fácil para [el guionista] Jamie [Russell] escribir esos pasajes de tiempo. Y luego, unos tres meses antes de filmar la película, vinieron un par de amigos actores y, con una GoPro, recorrimos cada escena solo para cumplir con los tiempos del guión.

¿Quieres hacer otro de estos? Un último disparo, quizás?

Sí, quiero hacer otro. No tengo spoilers para ti. Aún no hay luz verde. Haré lo mejor que pueda y tocaré todas las puertas para, con suerte, llegar allí. Pero no hay más novedades que el título. Y parece que Internet ha encontrado el título por sí solo.

Quiero decir, nos preparaste para esto.

[Risas] Los productores y yo hemos hablado de ello en el pasado, pero orgánicamente ha sido como una especie de montaña rusa en línea, que es divertida y emocionante. Así que me encantaría desesperadamente hacer esa película, pero aún no hemos llegado a ese punto. Vamos a ver.

Un tiro más está disponible para alquiler o compra digital en Amazon, Apple TV y Vudu.

• Distribución de relaciones públicas y contenido potenciado por SEO. Consiga amplificado hoy.
• PlatoData.Network Vertical Generativo Ai. Empodérate. Accede Aquí.
• PlatoAiStream. Inteligencia Web3. Conocimiento amplificado. Accede Aquí.
• PlatoESG. Carbón, tecnología limpia, Energía, Ambiente, Solar, Gestión de residuos. Accede Aquí.
• PlatoSalud. Inteligencia en Biotecnología y Ensayos Clínicos. Accede Aquí.
• Fuente: https://www.polygon.com/24042893/one-more-shot-director-james-nunn-interview-scott-adkins