La expresión en el arte refleja tanto los viajes individuales como el contexto más amplio de la sociedad, un hecho bien representado en la obra de Zhannet Podobed, un artista influenciado por la guerra y la introspección personal.

Desde Ucrania, el arte de Podobed ha sido moldeado por la adversidad. Su trabajo es un reflejo de su resiliencia, a partir de los efectos de la guerra. Cada obra de arte es un capítulo de su viaje hacia el autodescubrimiento.

Desde su serie 'Full of Bugs' hasta su transición de la industria de viajes al arte, la narrativa de Podobed ofrece momentos de autorreflexión. Ella cree en el crecimiento orgánico de un artista y el valor de las conexiones personales dentro de la comunidad artística.

En esta entrevista, analizamos su uso de diversos medios, desde el arte digital hasta las pinturas tradicionales. Cada uno resuena con temas que tocan la psique humana. La participación de Podobed en exposiciones y sus opiniones sobre la autopromoción proporcionan información sobre el panorama del arte.

Brady Walker: Habiendo trabajado en la industria de viajes, ¿puede señalar algún efecto tangible o ejemplo de la forma en que los viajes han tenido en su obra de arte?

Zhannet Podobed: He trabajado en la industria de viajes y navegación durante varios años y sí, eso me ha afectado a mí y a mi arte. 

En primer lugar, creo que me ha dado una visión global, visitar muchas galerías de arte y museos en diferentes países, conocer la escena artística internacional y ha aumentado mis ganas de crear y exhibir mi arte. Experimentar diferentes culturas y conocer gente nueva me llevó a incorporar nuevos temas e ideas en mi obra de arte, por ejemplo, después de visitar Brasil, hice una serie de pinturas con temas de la jungla. Trabajar allí también me dio mucha inspiración: los colores, las texturas y las atmósferas influyen en mi arte; por ejemplo, las Bahamas y Sri Lanka me inspiraron con sus colores vibrantes.

BW: El lema de tu obra de arte es Abstracción seductora. ¿Puedes darme más detalles sobre eso?

ZP: Claro. La mayoría de mis obras de arte son abstractas con elementos figurativos, a veces es una combinación. Al infundir a mis creaciones un toque de magnetismo y alegría, trato de recordarle al espectador la importancia de apreciar la vida, incluso en medio de eventos turbulentos.

Pero esta es exactamente la descripción que tomé prestada de la reseña de @thepropgallery sobre mi arte. Lo describió como Abstracción Seductora. Me gustó mucho esta definición y la encuentro muy acertada.

BW: ¿Qué opinas del trabajo que realizas de una plataforma a otra? Parece que tu trabajo en Ninfa es muy diferente de tu trabajo en Foundation, que también es muy diferente de tu trabajo en MakersPlace.

ZP: Normalmente creo mi arte por series y puedes notar que las series son diferentes entre sí, pero aún así puedes encontrar elementos comunes.

Quizás algunas personas piensen que un artista tiene que ceñirse a un estilo en toda su obra, pero yo tengo una opinión diferente. Yo como persona siempre estoy creciendo y desarrollándome, aprendiendo cosas nuevas, mis gustos y preferencias cambian, y mi estilo evoluciona conmigo porque es parte integral de mí. Al mismo tiempo, no creo que mis primeros trabajos sean peores que los últimos, simplemente son diferentes porque yo era diferente en ese momento de mi vida.

BW: Has escrito que quieres que “el espectador se convierta en parte del arte como una especie de componente añadido”. ¿Cómo ves que eso suceda? ¿Cuáles son los elementos necesarios para crear ese espacio?

ZP: Para mí se trata de una conexión. La conexión entre el arte, el artista y el espectador. Me gusta cuando mi arte le habla a la gente, cuando les brinda a los espectadores la oportunidad de reflexionar sobre sí mismos una y otra vez, para que las personas encuentren respuestas a sus preguntas o hagan otras nuevas. Esto permite que el arte se llene de nuevos significados e ideas, no sólo de lo que el artista le ha puesto.

Lo que también estoy planeando es comenzar a crear obras de arte interactivas que atraigan e interactúen con la audiencia. Entonces la conexión podría ser más profunda.

BW: ¿Cómo ha sido trabajar en Odessa durante los últimos años? 

ZP: Los dos últimos años en Odessa han sido muy estresantes para mí, como para muchos ucranianos. Montaña rusa mental constante, falta de estabilidad, muchas noches de insomnio, ataques nocturnos y diurnos de drones y misiles kamikazes, explosiones, síndrome de estrés postraumático. 

Al comienzo de la guerra siempre daba mucho miedo, durante meses no podía hacer nada, sólo leer las noticias y ser voluntario. Poco a poco volví al arte. 

Ese verano en Odessa fue especialmente ruidoso: muchos ataques a la ciudad, muchos ataques aéreos, muchas explosiones y edificios destruidos. Cuando no hay ataques aéreos todo está bien, la ciudad vive una vida normal, los cafés y restaurantes están abiertos, pero tenemos toque de queda, no se puede salir después de las 12 de la mañana. Creo que mi ciudad tiene mucha suerte, gracias a nuestra defensores la ciudad no cayó bajo ocupación. Ni siquiera puedo imaginar la condición mental de las personas que sobrevivieron a la ocupación o que están bajo ella ahora.

Las prácticas de respiración, el yoga, la meditación, la terapia psicológica, los ejercicios físicos, caminar junto al mar y en el parque, crear arte, a veces viajar me ayudan mucho a estar en un estado normal.

BW: Supongo que tu arte ha cambiado como resultado del ambiente estresante: ¿de qué manera dirías que ha cambiado o no?

ZP: Las turbulencias de la guerra han dejado una huella imborrable tanto en mi personalidad como en mi expresión artística. Al vivir y trabajar en medio de las pruebas y tribulaciones de Ucrania, mi experiencia se ha filtrado en la esencia misma de mi trabajo. 

Los temas de identidad y autodescubrimiento que alguna vez dominaron mis actividades artísticas han evolucionado para abarcar los profundos efectos de la guerra y su poder transformador. A través de mi arte, me esfuerzo por reflejar la resiliencia y la fuerza del individuo que emerge de la adversidad.

Cada una de mis obras de arte es un reflejo de mi propio viaje de autodesarrollo y descubrimiento. Experimento constantemente con diferentes técnicas, materiales y formas de expresión para aportar una nueva dimensión y experiencia a mi arte.

BW: Tu serie Lleno de errores trata sobre los “errores, rarezas personales que a menudo hacen que una persona sea bella e inusual”. ¿Cuáles consideras que son los “errores” en tu arte que lo hacen singular? ¿Siempre has aceptado esos elementos?

ZP: Oh, una pregunta bastante difícil para hablar de mis errores. Preferiría oír hablar de ellos a críticos de arte, curadores o amantes del arte, para poder convertirlos en mi fortaleza.

Bueno, lo que noto sobre mí y mi arte es probablemente que creo nuevas colecciones antes de agotarlas, pero en esto veo crecimiento, no me quedo a esperar, creo nuevas, creo nuevas, escribo mi propia historia y los coleccionistas pueden ven y elige lo que más les guste.

Además no verás exactamente el mismo estilo en todas mis piezas, esto se debe a que, como dije antes, siempre estoy cambiando, me encanta desarrollarme y desarrollar mi estilo, siempre sé que hay un lugar donde puedes crecer. arte. Por ejemplo, ahora estoy aprendiendo fotografía y planeo incorporarla a mi práctica artística. También me gusta mucho la escultura, tal vez algún día lo pruebe también.

BW: Dijiste en otra entrevista que el arte fue un hobby durante mucho tiempo hasta que dejó de serlo: prevaleció sobre tu carrera en la industria de la navegación y los viajes. ¿Puedes contarme sobre la resistencia que sentiste ante esa decisión antes de finalmente ceder? ¿Qué fue lo que finalmente inclinó la balanza?

ZP: Cuando era niña, me gradué en la Escuela de Artes Infantiles y siempre soñé con ser artista. Pero mis padres no creían que ser artista fuera una buena profesión y no me permitieron estudiar en una universidad de arte, así que tuve que graduarme en la Facultad de Ordenación del Territorio y Catastro. 

Después de trabajar en turismo y náutica, al principio me gustó, pero me di cuenta de que no era lo mío. Me cansé demasiado rápido y pronto perdí todo interés. El arte paralelo era mi hobby, terminé diferentes cursos y asistí a clases de arte. 

En ese momento estaba muy perdida, no entendía hacia dónde iba, qué hacía y por qué, estaba completamente desconectada de mí misma. En algún momento de 2018-2019, me interesé por el diseño gráfico: fue el comienzo de mi viaje hacia mí mismo, hacia mis verdaderos deseos, hacia la profesión de artista. Comencé a hacer diseño gráfico, branding, motion design, trabajar en este campo también me ayudó mucho en mi camino creativo: crear obras digitales, elementos de animación que a veces uso en mis trabajos, también es crear sitios web y maquetar varios documentos, También me ayudó con mis finanzas, porque al principio mi arte estaba poco monetizado y combinaba arte y diseño. 

En noviembre de 2021, gracias a todos mis coleccionistas y a la comunidad NFT, pude convertirme en artista de tiempo completo.

BW: También haces arte en medios tradicionales. ¿Puedes compartir algo de ese arte? ¿El tema y el enfoque difieren de su arte digital?

ZP: Antes de las NFT, el único arte físico que creaba eran pinturas al óleo y acrílicas. Mi último cuadro lo hice en febrero de 2022, justo antes de que comenzara la guerra. Mis primeros trabajos son definitivamente diferentes de mi trabajo digital, visual y conceptualmente, pero hay temas comunes en las pinturas posteriores. 

Principalmente mis pinturas son figurativas, retratos, con menos frecuencia abstractas y animales. Por ejemplo mi pintura Exclusividad tiene un tema similar con la colección Lleno de errores. La pintura representa un retrato de una persona con la cabeza cubierta de insectos; esta pintura, como toda la colección digital, trata sobre la singularidad y complejidad de la experiencia humana. Mi trabajo de arte Exclusividad se exhibió y vendió en el Mercado de Arte de Budapest en 2021.

Algunas de mis pinturas también se pueden comprar. en OpenSea. 

Hoy, después de un parón tan largo, estoy pensando en empezar a pintar de nuevo y ya he comprado lienzos nuevos. Estoy nerviosa y emocionada al mismo tiempo y espero que puedas ver mis nuevas pinturas pronto. 

BW: Trabajas en varios estilos y medios. ¿Hay algo que una su conjunto de trabajos?

ZP: En primer lugar, lo que une a todos mis trabajos es el hecho de que los hago personalmente. También puedo decir que, de una forma u otra, casi todas mis obras han sido creadas sobre temas psicológicos, temas que están relacionados con la naturaleza interna del ser humano. A medida que mi vida cambia, también cambian los períodos de mi trabajo; por ejemplo, ahora hay obras relacionadas con mis reflexiones sobre el tema de la guerra, pero también tratan más sobre lo interior. Quizás algún día esto cambie y los temas sean radicalmente diferentes, pero seguirán reflejándome.

BW: Eres muy activo en la participación en exposiciones, concursos y exposiciones colectivas. ¿Tienes algún consejo para los artistas con respecto a mantenerse comprometidos y participar al nivel que lo haces? ¿Algún recurso para compartir?

ZP: Intento participar en todas las exposiciones y convocatorias abiertas que puedo encontrar, porque tiene una buena influencia en la historia expositiva del artista, en el CV y ​​en el reconocimiento y exposición del artista. Principalmente encuentro todas las convocatorias abiertas o exposiciones en JoynTienen las mejores oportunidades para artistas, además el proceso de solicitud es conveniente y muy fácil, puedes ver todas tus presentaciones y todas tus ganancias en su sitio web. Llevo mucho tiempo con Joyn y estoy muy contento con ellos, tienen un equipo genial que puede ayudar en cualquier cosa. 

Recientemente también comencé a usar Abrazo, también tienen diferentes opciones para artistas, tienen un desglose de la Convocatoria Abierta por estilo de arte, como abstracto, fotografía, ilustración, etc. 

También encuentro muchas exposiciones y convocatorias abiertas solo en X. No creo que sea difícil ahora, todo lo que necesitas está en Internet, solo hay que dedicarle tiempo.

BW: ¿Qué actividades de autopromoción han tenido el mayor impacto en tu carrera? Por otro lado, ¿qué actividades no valieron la pena?

ZP: Bueno, yo creo que lo que funciona para una persona puede no funcionar para otra y cada uno debería buscar su propia estrategia. 

En cuanto a mí, al comienzo de mi viaje, debido a mi inexperiencia, comencé a utilizar publicidad dirigida, pero rápidamente me di cuenta de que este método no funciona en la comunidad NFT y que no hay nada mejor que el crecimiento orgánico. 

En cuanto a mí, me ayuda estar activo en X, apoyar artistas, comunicarme con coleccionistas, crear arte nuevo, aprender nuevas habilidades y técnicas, participar en Espacios X (pero lo hago rara vez, planeo participar en Espacios con más frecuencia), participar en diversas exposiciones y convocatorias abiertas, ser parte de diferentes comunidades y estar activo en discordia, participar en entrevistas, conocer artistas y coleccionistas en la vida real. 

En mi opinión, conocer gente en la vida real es una de las cosas más importantes para un artista. En junio de 2023 pude asistir a la Cumbre de la NFC en Lisboa. Fue el primer evento de NFT al que asistí. Me alegré mucho de conocer en persona a muchos de mis amigos de Internet, fue una experiencia totalmente diferente: una cantidad increíble de emociones e impresiones y conexiones más profundas.

Creo que vale la pena asistir a tantos eventos de NFT como sea posible. Y sí, pueden haber diferentes momentos, el más importante es no rendirse. 

BW: ¿Cómo equilibras tu tiempo creativo con tu tiempo de participación en línea y tu “administración de carrera artística”, como participar en los concursos mencionados anteriormente o promocionarte de alguna otra manera?  

ZP: Bueno, hago todo yo mismo. No tengo ningún manager ni persona que me ayude con estas cosas. Ojalá tuviera más de 24 horas al día. Normalmente planifico mi día, tengo una lista de tareas que tengo que hacer durante el día y trato de cumplirla. A veces anoto mis tareas en un calendario de Google para saber cuánto tiempo debo dedicar a cada tarea. Pero no siempre sigo mi plan. Hay días en los que creo más, por ejemplo, a veces puedo hacerlo todo el día o incluso algunos días seguidos, pero también hay días en los que solo hago “administración de carrera artística”. Todo depende de mis objetivos actuales.

BW: El arte y la decoración son cosas que todas las culturas hacen y han hecho durante milenios. ¿Por qué los humanos sienten este impulso hacia algo tan poco utilitario? ¿Qué hacen por nosotros el arte y la belleza (no necesariamente siempre lo mismo)?

ZP: El arte y la decoración son parte integral de la experiencia humana y contribuyen a nuestro desarrollo emocional, cultural e intelectual al tiempo que mejoran nuestra apreciación del mundo que nos rodea. Su importancia radica en su capacidad para cerrar la brecha entre nuestro yo interior y el mundo exterior, fomentando conexiones, comunicación, autoexpresión, comprensión y una sensación de asombro.

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