En mayo 31, Robert MorganLa mareada película de terror. stop-motion comenzará a transmitirse en Shudder. Pero los fanáticos incondicionales del terror tendrán la oportunidad de ver el híbrido de acción en vivo y animación en los cines temprano, a partir del 23 de febrero, y no deberían perder la oportunidad. Se experimenta mejor en un teatro debido a la forma en que sus imágenes escalofriantes, su historia retorcida y su paisaje sonoro especialmente macabro y espeluznante marcan el tono.

stop-motion Sigue a una joven animadora stop-motion que se enfrenta a la muerte de su dominante y célebre madre animadora y diligentemente intenta continuar con su trabajo. Pero entonces se ve arrastrada a un nuevo e inquietante proyecto que empieza a cobrar vida para ella, tal vez literalmente. Aisling Franciosi (estrella de El ruiseñor, La escalofriante continuación de Jennifer Kent a The Babadooky un jugador destacado en La leyenda de Vox Machina y la serie de Game of Thrones) interpreta a la animadora Ella, cuyo dolor, desafío y determinación de hacerse un nombre la llevan en direcciones oscuras, que se desarrollan en la pantalla a través de la animación que ella crea.

El director y coguionista Robert Morgan, un animador stop-motion conocido por sus pantalones cortos espeluznantes, incluyendo El gato con manos y Mañana seré tierra, debuta en el largometraje con stop-motion, y utilizó su carrera en el campo para darle a la película una sensación particularmente táctil y detallada que equilibra sus elementos de terror sangriento. Polygon habló con él en el festival de cine Fantastic Fest 2023 en Austin, Texas, sobre dónde se colocó en esta película, cómo manejó él mismo toda la animación, a quién considera el papa de la animación de títeres de carne y por qué el stop-motion es un arte nigromántico.

Esta entrevista ha sido editada para mayor concisión y claridad.

Polygon: El título de esta película es ambiguo de una manera interesante: hay muchas formas diferentes de leer potencialmente "stop motion". ¿Te estabas centrando en esas diferentes capas?

Roberto Morgan: Definitivamente. Pasé mucho tiempo pensando en el título adecuado y “stop-motion”Surgió desde el principio cuando lo escribíamos. Me gustó lo directo que es, pero también me gusta el hecho de que tiene otras dos o tres interpretaciones posibles. Hay una contradicción entre "detener" y "movimiento": algo que está vivo y muerto al mismo tiempo. Pero también estás deteniendo el movimiento. Hay un sentimiento ligeramente siniestro al respecto, tal vez relacionado con el asesinato.

La frase de la película que más impacta es que la animación stop-motion es "el arte de hacer que cosas muertas cobren vida". ¿Esa idea fue parte de la génesis de este proyecto?

Surgió de forma orgánica cuando lo escribíamos. Quiero decir, la génesis realmente tuvo que ver con mi propia experiencia al hacer películas de animación y tener la sensación de que cobraban vida propia. Cuando entras en un verdadero ritmo creativo con algo, y de alguna manera comienza a hablarte, comienza a decirte lo que quiere ser, puede ser una experiencia realmente emocionante, pero también puedes imaginarla como una experiencia muy aterradora. . Si tal vez hay un objetivo siniestro, siempre tiene su propia conciencia, creatividad. Y tal vez no le importe lo que usted quiera o lo que sea bueno para usted: sólo quiere lo suyo.

Así que esa fue la génesis de todo esto. Pero luego todas esas otras cosas sobre el medio del stop-motion se deslizaron en la estela de la idea. stop-motion is sobre dar vida a un objeto inanimado. Hay casi una cualidad de arte negro en el stop-motion, esta idea de conjurar cosas, devolverles la vida. Es como nigromancia. Tiene esta corriente de cosas oscuras y extrañas corriendo por debajo.

Hay muchos lugares en esta película donde ves los títeres y no están en movimiento, y se ven increíblemente espeluznantes sin la fluidez y la animación personal que les brinda. Como animador, ¿te parece eso realmente cierto en tus propios sets? ¿O es simplemente algo que el público debe experimentar?

Probablemente lo último. Quiero decir, no los encuentro espeluznantes, ¡los encuentro bastante lindos! Pero, sí, cuando has visto uno de esos títeres moviéndose, y luego lo miras nuevamente posado en el set, lleva dentro el amenaza de movimiento. Gusta podría simplemente cobra vida. Hay una escena en la película en la que Ella está hablando por teléfono con su novio, mira su marioneta y gira la cabeza. Eso fue un pequeño guiño a esa sensación, como, ¿Me está mirando? Y tampoco conoces muy bien sus intenciones. No sabes lo que quieren.

¿Cómo manejaste mezclar un personaje en stop-motion y un actor en vivo en la misma toma?

Es una escena muy, muy complicada y con un guión gráfico muy cuidado. Construimos ese dormitorio en el escenario de sonido y luego construimos un segundo dormitorio con piso elevado, que combinaba exactamente. Luego filmamos las escenas de acción real con Aisling en la cama. Y luego medimos todos los ángulos de la cámara, las luces y todo, y recreamos exactamente los mismos ángulos en la versión stop-motion. Necesitábamos elevar el piso, porque no se puede animar hacia abajo en un piso real. Así que teníamos un escenario elevado con trampillas para que el animador pudiera salir y animarlo, y luego todo eso se compuso.

En las preguntas y respuestas que vi después de que esta película se proyectara en Fantastic Fest, dijiste que esta película era un poco autobiográfica, solo en esos términos de cómo tu arte cobra vida propia. Pero ¿qué pasa con la historia más amplia, sobre vivir a la sombra de un gran creador, tratando de encontrar tu propia identidad? ¿Algo de eso es personal para ti?

No, eso fue pura invención. Con lo que puedo identificarme es con la sensación de querer desesperadamente ser creativo, pero sin sentir que tienes nada que decir. Esa fue ciertamente mi experiencia. Cuando era más joven quería ser cineasta, quería ser artista, pero no sabía cuál era mi voz. Y eso es algo con lo que creo que muchos artistas pueden identificarse.

Es como si tuvieras una necesidad abrumadora: Quiero ser parte de eso, quiero hacer arte. Y luego te sientas e intentas pensar en algo, pero parece que, No sé lo que no sé, ni quién soy, ni lo que estoy diciendo. Y eso hay que ganárselo muy gradualmente, a lo largo de la vida y consumiendo otras artes. Poco a poco esto sucede. Entonces me identifico con ese elemento. Pero la madre de Ella fue simplemente para acentuarlo, para hacer que esa experiencia fuera aún peor para ella. Porque no sólo vive a la sombra de otra persona, sino que su madre casi la utiliza como marioneta.

Noté que su madre sigue llamándola "muñeca" como cariño, pero la mayoría de las veces suena como si estuviera diciendo "títere".

Lo hicimos deliberadamente a veces como “títere”, a veces como “títere”. Allí desdibujamos deliberadamente la línea.

Has dicho que toda la película se hizo en 25 días.

Entonces, cada vez que hay animación y acción en vivo juntas, todo se filmó en 25 días, simultáneamente al rodaje de acción en vivo. Luego, después del rodaje, mientras estábamos editando, instalé un pequeño estudio en mi salón y filmé todas las películas dentro de la película: todas las cosas de Cyclops, la película de la madre y toda la película de Ella. Lo filmé yo mismo, sin dinero ni presupuesto, en mi salón, mientras editaba la película. Entonces fue una postproducción intensa. Simplemente siguió adelante. Pero lo bueno de esto es que, como ya no tengo un horario estricto, pude hacer las cosas un poco más relajadas y adaptar la animación a la edición a medida que se estaba formando.

¿Puedes hablar sobre el huevo azul que inicia la película y que vemos como un elemento recurrente? Hay mucho simbolismo en esta película, y sentí que estaba rastreando la mayor parte, pero el huevo azul se me escapa en términos de lo que se supone que debes sentir en respuesta a él.

Es misterioso. Realmente no puedo hablar de eso. Para mí, tiene algo que ver con la muerte y algo que ver con la creatividad. Eso es todo lo que puedo decir al respecto. ¡Así que mira la película otra vez!

Creo que, inevitablemente, las personas que conocen la historia del stop-motion pensarán en Jan Švankmajer mientras ven esta película. ¿Fue una influencia?

Si vas a hacer marionetas con carne, Švankmajer es tu opción. Hizo una película llamada Amor de carne, que es sólo una pequeña película de un minuto, muy sencilla, muy corta, con dos filetes bailando y teniendo sexo antes de cocinarse.

Lo vi cuando era estudiante. Yo era como, No sabía que podías hacer eso. Es tan extraño, divertido y enfermizo. Entonces la idea de hacer marionetas con carne era muy interesante. Y es como el Papa de ese tipo de animación. Realmente es un pionero en encontrar esa vena macabra de la animación stop-motion y realmente explotarla.

Ha habido otros. Antes que él estuvo Władysław Starewicz, un animador allá por los años 20. Estaba haciendo algunas películas bastante extrañas y macabras con animales de peluche e insectos y cosas así. Y Charley Bowers, que era un animador estadounidense, usaba ratas y gatos disecados y cosas así, nuevamente en la década de 1920. Así que existe una tradición de stop-motion macabro, pero Švankmajer pasó a primer plano y lo ejemplificó más que nadie.

Esta es una película muy sofocante. ¿Por qué tan exagerado con el sonido? ¿Qué querías conseguir con ello?

Sólo para crear una experiencia sensual. Para mí el cine es en parte narrativo, pero también es espectáculo y sensual. Sintiendo así la calidad visceral de la película: el detalle de la imagen crece con el detalle del sonido. Para mí el 50% de la experiencia en una película es el sonido. Por eso quería que el sonido fuera tan sensual y detallado como lo eran las imágenes. Se trata de crear una imagen y experiencia sensual para el espectador.

stop-motion Está en los cines el 23 de febrero y se transmitirá en Shudder a partir del 31 de mayo.

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• Fuente: https://www.polygon.com/24079628/stopmotion-movie-director-interview-stop-motion-animation-necromancy